空间错觉设计素描图片素材（空间错觉构成图片作业）

大家好！今天让创意岭的小编来大家介绍下关于空间错觉设计素描图片素材的问题，以下是小编对此问题的归纳整理，让我们一起来看看吧。

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本文目录:

• 1、如何利用视错觉参与办公室空间装饰设计?

• 2、有哪些设计师可以利用的视觉错觉？

• 3、我急需一份 关于美术素描的说课稿！500字左右吧 越详细越好

• 4、图形的创意和图形的设计是一个意思吗

一、如何利用视错觉参与办公室空间装饰设计?

1、什么叫视错觉?

视错便是当人观察物体时，根据经验主义或不妥的参照构成的过错的判别和感知。

我们日常日子中，所遇到的视错觉的比方有许多。比方，法国国旗红：白：蓝三色的比例为35：33：37，而我们却感觉三种颜色面积持平。这是由于白色给人以扩张感觉，

而蓝色则有收缩的感觉，这便是视错觉。

2、怎么运用视错觉有一些视错觉是能够纠正的，但有一些视错觉不可避免的。在室内规划中，我们要运用的，便是不可避免的那一部分。

3、矮中见高。便是在居室中，其中一部分做吊灯，而另一部分不做，那么没有吊灯的部分就会显得“高”了。

4、虚中见实。经过条形或整幅的镜面玻璃，能够在一个实在窨里制作出一个虚的空间，而虚的空间在视觉上却是实的空间。

5、冷调降温。例如厨房大面积运用深色时，我们呆在里边，就会觉得温度下降2-3度。

6、粗中见细。在实木地板或许玻化砖等光亮度比较高的质料会显得较高的质料边上，放置一些粗糙的质料，例如复古砖和鹅卵石，那么光亮的质料会显得更光亮，这便是对比构成的视错觉。

7、曲中见直。一些修建的天花板往往并不是平的，当弯曲度不是很大的情况下，能够经过处理四条边邻近的平直角，形成视觉上的整体平整感。

在办公室规划中，我们或许为了发生特别或更佳的作用，也或许是为了改进某种缺陷而运用视错觉，这些都是常规空间规划的技巧，需要在长时间的规划实践中不断总结和体会。与此同时我们也要注意的是不能乱用视错觉参与到日常的空间装修规划项目中。

过火地运用视错觉会引起视错觉。例如我们在居室中大量地运用镜子，这面墙有镜子，那面墙也有镜子，镜子又分大大小小各种形状的拼块，这样过火的视错觉，就会扭曲人的正确判别人的眼睛就会出现继续不健康的视错觉，长时间呆在这种过火的视错觉环境会引起健康问题。这是值得注意的。我们在制作虚拟空间的镜子前面，做一个竖向或横向的木格加以分隔，就能够大大减轻对视觉的扭曲。

      以上是“如何利用视错觉参与办公室空间装饰设计?”的部分介绍，希望能够给大家提供些帮助，

二、有哪些设计师可以利用的视觉错觉？

视错觉就是当人观察物体时，基于经验主义或不当的参照形成的错误的判断和感知，是指观察者在客观因素干扰下或者自身的心理因素支配下，对图形产生的与客观事实不相符的错误的感觉。视错觉并不是神秘不可探讨的科学，而是我们生活中常常遇到的奇妙现象，其中的原理运用到实际生活中后，它的独特魅力更加彰显，让我们一起看领略视错觉在生活中的应用，感受奇妙与实用的结合。这个书柜看起来处于三个层次，事实上它是放在房间里的拐角处，不仅利用了边角空间，还在视觉上带给人错落有致的享受。

三、我急需一份 关于美术素描的说课稿！500字左右吧 越详细越好

有点多，自己再根据需要精简吧，希望对你有用！

1 [理论]表现单纯

2 [理论]节奏变幻

3 [理论]结构视觉

4 [理论]描与刻划

5 [理论]明暗关系

6 [理论]光影害人

7 [理论]素描感悟

8 [理论]何谓素描

9 [理论]线面融合

10 [理论]结构是真

11 [理论]纵深空间

12 [理论]神似优先

[理论]表现单纯

素描不但具有研究性，还具有表现性。从艺术欣赏的角度说，素描习作同样可以当作一幅完整的艺术品去欣赏。

虽说素描是单色，相对表现手法比较单纯；也就因此，素描可以更概括和精炼。画家可以集中精力用简洁的笔法刻意表现对象的结构和内在的气质。

中国传统的书法和水墨画，就是具有神韵的素描。汉字和水墨画同属于中国传统文化的艺术构成。汉字笔划之间的布局与构图的变幻，绘画焦墨枯笔与泼墨润色的对比，书画同源之密不透风与疏可走马的艺术表现，均刻划出中国传统艺术独有的素描构成美和力透纸背入木三分的力度。

没有具象形体的构成，只有黑白灰纯粹层次间变幻，抽象地表现自己的感官感受，同样能创作出墨分五色——素描的节奏。

随着西方文化的传入，素描也随之进入中国艺术训练的课堂。好像只有到了成为大师一级的素描，才最终成为可以欣赏的作品，其他好像只能称其为习作。这是因为大师毕竟是大师，长期文化的积累，悟出了大师出手不凡的写意技法，通常极具有表现力。从一开始，画家就是从表现主体出发，揭示对象的内在的结构和神韵，不用也没有必要再使其他的形式去赘述。

[理论]节奏变幻

节奏是素描美之所在。没有节奏的素描只能是一片没有感情的躁点、线条或灰色，就像一根琴弦只能发出一种音节，一个人说话不停顿、不喘气一样。

根据形体的变化，我们运用抑扬顿挫的笔法和充满韵律的线条，勾画出形体美之所在。

线条可能是有刚有柔，用笔必然分轻重缓急。刚自然直，柔就会虚。粗成为了强调，细就感虚拟。和线条一样，运用线面结合加以光影，借此强调人体的形态变幻，使自然的对象产生艺术的节奏之美。

[理论]结构视觉

视觉的锻炼也是一种思维的过程，是不断剔除错觉，正确感知世界的桥梁。如何使我们的视觉思维在感知形体结构中，形成确切的概念和严谨的画风，尽量多的练习是必须、必要的——俗话说，熟能生巧。

结构素描是对明暗素描而言的，不是说明暗素描就可以不讲究结构，也不能说结构素描就摒弃明暗，它需要十分认真、精心研究和熟练掌握。它以线条为表现力，适当加入一些明暗关系，直截了当地将画面对象的立体结构以解剖形式表现出来。不管是素描石膏像还是真实的形体，都要根据对对象的理解，去分析对象，把握形体，力求排除对象在画面中的琐碎因素。特别要运用解剖常识，牢牢地把握形体的大体骨架、骨点和肌肉之间的关系，进行刻划塑造。

素描虽然画的是形体，但却不应该仅仅是形体的本身，更多的是对形体的观察感受，可以说是一种发现行为。素描的表现形式、方法、手段取决于视觉思维，只有在表现对象时积极而主动的选择，才能体现视觉的基本特征。

视觉绝不是被动复制我们的感受，而是一种积极的理性活动即思维活动。知觉使思维的结果，推理是直觉的研究，最后才能形成自己的创造。

[理论]描与刻划

对于习惯于使用明暗调子的人来说，总是觉着只有这样画才是扎实的素描。其实，经过后来的习作，我还是感到不过强烈，描的东西太多，而刻的地方太少。

应该说利用素描明暗来刻画对象的体积还是有用的。但是如何从明暗调子中走出来，却不是一件很容易的事情。脑子里的固有观念和习惯的势力，加之悟性提高缓慢，使本来想丢弃的画法还会不时的有所反复。

明暗调子就像钢琴的键盘，越是多越能表现得丰富。我们使用的铅笔还能出产7B、8B的吗？即便是有了9B、10B的，也无法表现出现实模特儿空间的黑，黑与白的对比只是相对的。在舞台美术的布景暗调子处理上，使用纯黑+普兰在灯光的照射下也泛白，就改用黑丝绒，可我们的绘图纸如何表现出这样的黑洞？其实黑与白只是一种感觉。强烈的感受需要我们改变以往的写生的办法，摒弃故有的脑子里的死的概念，用全新的思维，在结构意志的控制下，充分发挥我们自己的感触而凝注在笔端的力度，画出对象感受的神似。

不停地改变自己固有的观念，不断尝试新的绘画方法，千万不能为完成一幅作品小心翼翼的作业，完成作业不能成为我们目的的负担。不然，你将丢弃更多尝试的机会，千篇一律的重复自己的已知而禁锢自己思维的想象空间。

[理论]明暗关系

明暗素描是很多人在初学阶段接触较多的学习方法。各美术院校在素描教学也常用此方法引导学生。

明暗素描是通过光与影在形体上的变化，体现所画对象丰富的明暗层次关系。初学者在开始学习时常常采用灯光下练习，它能帮助你认识物体在光源下的明暗变化，了解光源在复杂形体的明暗变化，以更深一步了解和掌握光源的变化及对象所表现的立体感、质感、明暗、空间的丰富变化等。

在明暗素描的明与暗、黑与白、光与影、高光与反光的各层次关系中，掌握节奏的变化很重要。有比较才有鉴别。在对形体准确的基础上，反复的比较，是画好明暗素描的关键。

也许明暗素描大体分成几个步骤，如：构图、角度、光源、结构、刻画、调整等等，但这并不是绝对的。不是我们一定要走弯路，但走了弯路未必都是坏事。明暗素描仅仅是一种方法，在练习的过程中要学会总结自己的体会，注意发现自己在练习过程中毕露的锋芒，并加以发扬光大，使自己闪光的一念成为个性发挥的起点。

可能你的明暗素描没有他的对比强烈，可能他的关系处理得比你微妙，在素描写生的明暗处理中，没有一成不变的真理，惟一的真理就是对象形体的结构。

[理论]光影害人

这是作者在进入中央美术学院油画研修班的第一张摸底画，也可以说是自己在读完大学美术专业本科10年后的总结画。它是使用明暗调子手法所画的铅笔课堂作业，像张照片差不多吧？

这样的画法在改革招生制度后的美术院校是很流行的，然而这张画我受到了指导教师的近似挖苦的批评。如果不到北京进修，可以说，我一直会这样画下去；或许还以为是最正统的画法呢。

从石膏像入手就是画明暗，明暗调子让很多人误入歧途，只看到对象的调子——光与影。很多情况下，是在灯光下所画，强调明暗交界线，学会巧妙地虚化投影和处理空间，然而最要命的是没有真正的把握住对象内在的结构。使得所画对象只是头部、脖子和衣服的组合，甚至衣服穿着下的左臂膀没有长在人的身上一样别扭。

电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，使得我们可以用数码相机轻松的为对象拍摄一幅高分辩率照片，然后在Painter、Photoshop等著名绘画、绘图软件下，几次使用不同过滤器命令就可以轻松地将照片“绘”成现在这副模样，我们还费了九牛二虎之力一笔一笔的画这样的素描干什么？即便没有这样的软件，我们也不能再这样画下去了，因为这仅仅是客观的写照，没有一点儿刻划（不是描绘）的痕迹，更谈不上自己的感受和创意。

这种较长时间的素描浪费了我们很多的时间和精力，使我们的注意力全都集中在明暗调子之中，变成了被动的投影机，真实害苦了很多人。

[理论]素描感悟

素描，不就是素色的描绘呗! 这样的解释作为大众的一般概念勉强可以说得过去，但是作为艺术或绘画的概念就显得肤浅。

素描是基础，是绘画、设计及一切造型艺术的基础。去掉浮华的色彩和形式，素描就成了构成、节奏、曲线的纯粹的素材刻划、底层研究。如果我们剥离一幅绘画的外在形式和色彩涂层，就会浮现所表现对象本质的框架和结构—— 一个真正表现作品内涵的支撑的美。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

素描又是训练造型能力的最基本的手段。但是由于从事绘画艺术和设计艺术不同的分工，对素描训练的着重点也是不同的。绘画素描作为基础支撑的是欣赏的美；设计素描一般是不作为独立欣赏艺术品的形式出现的，它更具有实用性，仅作为设计艺术的一部分或一个过程。在绘画素描的高级阶段，可以逐渐升华成独具欣赏价值的作品，逐步从训练中走出去，或许更简练或许更精致，总之品位见长；而设计素描的深入阶段就越发体现其物质性，越是精美就越体现实用性。

素描好比攥紧的拳头，是实实在在的东西，来不得半点的虚张。它需要交代清楚拳头的结构，表现出各手指与手掌之间的关系，骨骼与肌肉、脉络、表皮的承载及各种造型所呈现出的美的造型。不管使用纯线条、线面结合还是光影调子，目的只能有一个：刻划出拳头造型到底是怎么一回事。从这一点说，素描决不能仅依靠感觉去画，而要谨慎表象的误导。

有人说素描就是黑白灰，其实这是一种对绘画素描的误解，是长期铅笔素描作业在处理光影阶段为避免在绘画过程中出现层次不清的一种肤浅的认识。在具象绘画中，黑白灰仅仅是一种色调，是一种表现形式的一些元素而已；用黑白灰三大调子所描绘出的层次、光影往往是一些表象，也许是所谓学院派从石膏几何图形——石膏像学起的“正规”路子所带来的负效应。当然，对于纯粹的黑白灰研究，它又具有一定的素描关系的节奏美，同样具有一定的欣赏性，这属于形式美的范畴。

在艺术实践中，素描的初级阶段应是理性的；是需要艺术家冷静的分析、思考，仔细的去揣摩。当然，一幅绘画作品的创作需要感觉，而且感觉非常的重要；形式和各种表现方法也更重要，常常可以体现画家的后期风格。但是，作为绘画基础研究阶段，或者作为一幅作品制作的前期，必须先解决好素描的问题。这就像建筑一样，要把地基打牢，框架设计合理，至于建筑外装修的形式，那是后期工序，是建立在素描基础之上的。

高级阶段的写实主义和表现主义画家，对素描的着重点有明显区别；后者追求“表现一个场面的情感而不是描绘形体的现实外表”，而超现实主义者则着重表现潜意识心理。

[理论]何谓素描

对素描的解释有很多种类，以下摘编仅供参考：

●英译划分：

素描 （DRAWING）、 速写 （SKETCH）、素描 （DESSEIN）；

●颜色划分：

由木炭，铅笔， 钢笔等，用线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。（艺术家杂志，论素描——萧如松）；

●工具划分：

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。（艺术视觉百科全书）；

●一般划分：

轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同性格的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感；

●概念划分：

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。（大不列颠百科全书）；

●过程划分：

在西洋美术辞典这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备（雄狮图书公司出版）。

[理论]线面融合

我们面对的形体，本来是没有“线条”和“点”的，就是我们所感觉到“面”的存在，也是在起伏的千变万化中附着在结构与形体上的。

正对着我们的“面”，侧过去就成为了一道压缩的线条，纵深过去，线条就是成为一个点。这些素描的构成元素，使得我们捕捉对象形体有了得力的手段。但是，在写生过程中，我们又非常容易过于潇洒的使用线条，而导致流畅的浮躁。在找准形体结构的耐心与枯燥的练习中，我们很难逃避划线的乏味；同时也很难抵挡挥洒的诱惑。

可以说，在素描中我们所划出的任何线条都应该具备形体结构的属性，才具有真正意义。不然，就成为了一根或一组废线；而由这些线条所组成的面当然也成了无意义的脏灰色。可能在写生中也会感到一些灰色的“面”，由于我们的感觉其实还处在错觉时，就误以为是一块“面”而画出来，结果仍然是脏灰色而非形体的一部分。

如何避免这种错误的产生，就需要我们始终以对象的结构为中心，不能被动地照抄对象，而要主动、主观的分析与判断对象给我们提供的绘画元素，透过整体的结构去完整的驾驭被画形体。

我们使用的无论是“点”、“线条”还是“面”，都是一种手段，它们本身没有任何的意义，把它们用在我们所刻划的形体上，就成为了人体结构的元素，最终成为所画人体的一部分，而不再是什么点线面了。

中国人物画用线条对衣褶的描画方法，总结归纳出游丝描、琴弦描、铁线描、竹叶描等“十八描”法。西方绘画空间的运用，使得线条的运用融入了面的成分，变得更加丰富多彩。在对形体与结构的观察中，相信每个人的感悟都是不同的。如何运用点线面的融合，将你对形体的理解刻划出来，将是你创造的一个过程。在此之前，不妨也可采用中国传统的训练方法——临摹的学习，来体验一下前辈大师的用笔，再融入自己的体验，相信你的写生将更加的有趣

[理论]结构是真

在素描绘画当中，最关键的当然是结构。

现实中很多画家，由于对人物或物体结构缺乏了解，最后只能走形式的路子，在创作中很难拿出具有深度的力作。虽然我们已经有了方便的照相机（现在都使用数码相机）和扫描仪，可以在电脑中处理图形，能够省却很多造型的麻烦，但是，形是形，结构是结构，并不是一个概念。对绘画的过程而言，形是附着在结构之上的表象，而结构才是对象的支撑；外在形的轮廓无法真正表现对象的内在美。

我们所观察到的对象的外形，那是一种表象，一种轮廓。当对象一旦变换位置，而我们又缺乏对结构的了解，就很难着手。在初学阶段，几乎每个人都经历了利用稳定的三角形来确定形体的大体位置和构图，然后再用小的虚拟的三角形、方形等分解被画对象局部的位置，这样的方法最后只能是比葫芦画瓢，照相般描绘对象。

就像我们已经走过了充饥的年代一样，我们已经走过了缺图的年代，正跨入一个读图的时代。各种图形、图像、图库层出不穷，再用照相的方法——抄照片去再现对象，倒不如干脆去搞摄影算了，那我们还不如照相机来得客观。对画家来说，最难以接受的便是被人夸奖为：看画得多好，像照片一样。也就是说，那些个作品没有强烈、强调和更深层次的东西，缺少画家对形体结构的理解和对对象的内涵表现的创意，这又怎么能算得上绘画的艺术作品呢？

艺术的真实，并不是纯客观的真实，而是画家通过自己的感官和手，表现画家内心的感受的一种艺术的真实——去粗取精、去伪存真、由此及彼、由表及里的刻画与刻划。

[理论]纵深空间

我们面对的是一个三维的空间，而我们的画面却是只有两度空间的纸张或画布，如何画出对象的深度空间，也是需要通过素描解决的重要课题。

解决空间的问题，可以运用光影，也可以运用线条或线面结合。在我们已经习惯于平面观察物体的时候，尤其遇到透视变化较大，还没有解决造型功底的时候，常常束手无策。解决这个问题的关键首先在解决对形体的把握能力和理解结构，在结构的基础上，敏锐的找出纵深的构成元素——点、线或者是面，谨慎的处理远近的关系，你一定能把空间处理的恰如其分。

可能在你成为大画家的时候，不再需要三维的空间而有意追求平面的装饰效果或是别的什么震撼的色彩构成，而就在你的执着之中，也还是存在着虚实变化的肌理和远近的对比。

石膏素描的练习不失为时一种方便，它反映出的结构、形体、比例、明暗、空间等关系比较纯洁，在特定光线下，可生成微妙的明暗变化以便于观察；且不受环境、时间限制，可以让初学者从不同侧面、不同角度较为固定地长时间观察、分析，从容地表现对象。

但是石膏素描画久了，容易给人误导——在用光条件、明暗交界、投影等方面产生依赖性，而敏锐的观察移动形体结构的能力得不到锻炼。

[理论]神似优先

无论是所画对象的形象还是体积，我们都无法做到绝对的形似。因为我们是透过眼睛的观察后，用手和笔表现出来的。不说我们的造型能力有高有低，即便能够做到绝对的酷似也还是 不如神似。

神似有些像我们常说的特征。但特征仅仅是带有神似的成份，却没有神似的韵味。特征显得比较生硬和理性，往往对艺术的夸张成份表现不足。

偏重于形象思维的绘画素描在理解形体结构的基础上，创造性的使所画形体达到一种表现的冲动，一种艺术的高度。而依赖于理性思维追求物质真实性的设计素描则较客观、严谨、甚至死板的达到工艺的利用和美观，尽管设计素描的过程参杂着形象思维的因素，但依然是缺乏神韵的激情。因此，设计素描很难上升到很高的艺术欣赏境界。

绘画素描与设计素描根本的区别，就在于形似与神似地追求不同。当绘画素描向表现性素描发展时， 我们当然要优先注重神似地发挥。如何对实物和画面进行感觉的反复比较，在写真、写意中传达视觉的冲击和感染，以实现艺术的审美价值。

四、图形的创意和图形的设计是一个意思吗

我个人觉得应该差不太多。你看一下理解理解O(∩_∩)O~

图形创意我的专业就有这门课程，基本上是根据自己对事物的认识用脑海想象或转化为自己的理解表达在纸上或者电脑稿子上，是比较基础的东西.图性创意中,同构与元素很重要。

同构现象是指视觉美学中的一个概念，就是指某个共同的元素为多个元素所共用的现象，是奇妙的视错觉现象。在现实生活和艺术作品中也多有应用同构现象的地方。

谓同构，指的是两个或两个以上的图形组合在一起，共同构成一个新图形，这个新图形并不是原图形的简单相加，而是一种超越或突变，形成强烈的视觉冲击力，给予观者丰富的心理感受。

同构现象最直接造成的就是视错觉。人的视觉对造型中的点线面体及色彩等所产生的与事实不符的错觉，称为错视。视错可分为线段视错、角度视错、面积视错、透视视错、分割视错、位移视错、重叠视错、对比视错、高低视错、变形视错、立体视错等。在服装造型中对视错采取利用或矫正的方针。 我们通常所讲的特定款式的着装可以弥补人体缺陷的道理，就是同构现象的巧妙利用。

招贴设计中，同构图形的表现形式是多样的，最具代表性的有替代、拼置、正负、填充这四种。同构现象-招贴设计中 同构现象招贴作为一种户外广告，面对的是匆匆而过的行人，必须要在瞬间引起行人同构现象图片的注目和兴趣，将广告信息深深植入他们的脑海中，这种于瞬间传达信息的力量只有依靠图形来完成，图形的创意和表现成为招贴设计的关键。从当代招贴图形的发展来看，同构图形已经成为一种主要的图形形式，被越来越多的招贴设计师所应用。

所谓同构图形，指的是两个或两个以上的图形组合在一起，共同构成一个新图形，这个新图形并不是原图形的简单相加，而是一种超越或突变，形成强烈的视觉冲击力，给予观者丰富的心理感受。那么，同构图形应遵循什么原则呢？格式塔心理学家的试验表明，当一种简单规则的形呈现在眼前时，人们会感觉极为平静，相反杂乱无章的形使人产生烦燥之感，而真正引起人兴趣的形，则是那种介于两者之间的、稍微背离规则的图形，它先是唤起一种注意或紧张，继而是使观看者对其积极地组织，最后是组织活动完成，开初的紧张感消失。这是一种有始有终、有高潮有起伏的体验，是能引起审美愉悦的审美经验。由此推导出同构图形的原则：用日常生活中人们熟悉的图形，以一种新的、前所未有的同构方式加以组合，正所谓“旧元素、新组合”。通过这种同构方式得到的新图形使人既熟悉又陌生，会引发观者极大的好奇心，从而使招贴的视觉传达变得更加顺畅和自然。同构图形的表现形式是多样的，最具代表性的有替代、拼置、正负、填充这四种。

同构现象图片

1、替代

替代图形是指一个图形的局部被其它图形替换的情况，比如人的一只眼睛，眼球部分被舌头所替换，设计者要传达的是“视觉语言”的概念。替代图形通过寻找图形与图形之间的形状上的相近性，进行某种特殊的组合和表现，从而产生一种具有新意的、奇特的图形。在生活中，事物之间的相互关系总是遵循一定的规律，如果破坏了这种规律，就会产生荒诞的感觉，而替代图形恰恰就要利用荒诞和奇特造成出人意料的震惊效果，意在加强人们对事物深层意义的理解。

2、拼置

拼置图形是指利用各种现成形状的物品拼合出新的图形。这需要设计师破除他们固有的观念，用童真的眼睛去看世界，在一个事物的基础上想象出其它的事物，比如冬天窗户上结了厚厚的冰，有的人看着冰花，想象其中有花、有草、有动物……秋天的傍晚，云彩涨上来了，我们从变幻多姿的云彩中看出许多情与景——有的像马，有的像龙，有的像凤，有的像仙女……中国古人讲究“天人合一”，认为世上的万物都有灵性，艺术创作不应破坏这种灵性，而是顺其自然，借形生意，看它像什么就把它弄成什么，拼置图形的创作同样需要有对事物灵性的挖掘，而且可以仁者见仁，智者见智，每个人都有自己独特的发现。笔者在一次观察鸡的时候，从红红的鸡冠上联想到燃烧的火焰，觉得从外形到色彩都有相似之处，后来就以此为创意作了一张法国文化年的招贴，题目是《洋火》，图形是用火焰组成的公鸡形象，因为人们常用“高卢雄鸡”来称呼法国，而火焰又是由无数根下落的火柴燃起的，以此表现法国文化在中国的火热程度以及给中国文化带来的互动。

同构现象图片 3、正负

正负图形是指正形与负形相互借用，造成在一个大图形结构中隐含着两个小图形的情况。一般来说，展现图形必须具备图形和衬托图形的背景两部分。属于图形的部分称为“图”，背景的部分称为“地”，“图”具有明确的视觉形象和较强的视觉张力，“地”则给人以虚幻、模糊之感，从空间关系上来说，“图”在前而“地”在后。但是，如果把“图”与“地”之间的分界线进行巧妙的处理，变成两者都可使用的共用线，便会产生一种时而为图形，时而为背景的现象，这就形成了正负图形。

4、填充

填充图形是以一个图形的轮廊为基底，填入另一个图形。填充图形在招贴设计中常常被用来进行二维和三维空间的转换，也就是说，在二维平面图形的基底中可以填入具有三维立体性的物形，或者在三维立体物形基底中填入二维平面化的物形，使填充图形展现一种新的空间关系，即二维平面与三维立体融于一体，这两个特定的层次中出现一种矛盾的有机体，恰恰正是这种矛盾的有机体，成为吸引观者注意力的不可缺少的条件。德国招贴设计大师刚特·兰堡是处理这种矛盾填充的高手，他为菲舍尔出版社所做的招贴广告，从一本书中出人意料地伸出一只拿着钢笔的手，写出了画龙点晴的“菲舍尔出版社”字样，利用对空间的转换与突破造成独特的视觉效果。

对于初学设计的人来说，同构图形似乎是一件难事，其实只要掌握了科学的思维方法并养成良好的思维习惯，同构图形就会不断地在大脑中涌现。我们可以把这种思维方法称为同构联想，运用同构联想有助于找到事物之间的同构对应关系。同构联想可以是视觉上的、心理上的，也可以是经验及认知上的，即形的同构、义的同构和觉的同构。

形的同构是指图形由于形的相关性而发生同构的情况。首先，要有对形进行快速概括归纳的能力，这样很容易找到形与形之间的相关性，从而进行形的替换和组合。其次，应注意选择新的视角去观察物体。对于一些能被手摆动的小物体，可以通过动手改变它的形象，并把其它物体的形投射进去，比如利用书包的包口组织出青蛙的嘴，或是鳄鱼的嘴，拉链可以是鳄鱼的牙齿等。虽然书包还是书包，但已经是像青蛙的书包、像鳄鱼的书包，书包变活了，似乎有了生命。如果我们为书包厂家做招贴广告，采用这样的方法来形成招贴的书包图形，像各种动物，肯定会更加吸引学生的注意力。对于一些大的物体，可以通过观察者自身位置的移动找到一个新颖的角度，使物体呈现它所不常见的另一面。在进行形的同构时还可以采用多点透视，把不同角度的观察结果，结合生活经验及想像来一个集成组合，形成具有全方位空间感的新图形。

义的同构是指图形由于意义的相关性而发生同构的情况。图形和意义的关系并不限于一一对应；一形可以多义，一义也可以多形。所以义的同构又可分为两种：一种是一形多义；另一种是多个形由于意义相关而同构。在柔丽柔顺剂的招贴广告中，画面形象分别是扳手和铁锤，然而它们的材质不是坚硬的金属，而是柔软的绒线，意指即使再硬的东西经过柔丽柔顺剂的浸泡，也会变得非常柔软。绒线和扳手、铁锤，看上去毫无关联，但一旦发现它们给人的感觉截然相反，就可以大胆地进行同构。一些优秀的招贴，往往既有形的同构，又有义的同构，即形义“双关”。这些招贴既具有引人注目的视觉效果，又包含较深的意义，令人百看不厌，回味再三。

人的感觉同构是指人的各种感觉之间可以互相转化，因而可以在设计上借此言彼。人的感觉包括视觉、听觉、触觉、味觉和嗅觉，文学上经常运用这五种感觉的相互沟通和彼此转化，达到某种特殊的艺术效果。招贴设计作为一门视觉艺术，借助同构图形这一强有力的手段可以形象生动地表达其它感官的感受，而且并不限于用一种感觉表达另一种感觉的两者同构对应，有时还会呈现出以一种感觉为信息本体，两种或两种以上感觉为媒介载体的多重同构对应。有一个辣薯条的招贴广告，画面形象是一根蘸了辣酱的薯条，形状上又非常近似于一根火柴，招贴的主题是薯条的“辣”。为了强调这种味觉，设计者把薯条和火柴同构，表现了一种“火辣辣”，与触觉有关，又通过招贴这种形式进行了视觉上的处理，产生了强烈的视觉冲击力和心理震撼力。

综上所述，同构图形在招贴设计中扮演着重要角色，它以新奇的图形组合迅速地吸引人们的目光，使招贴的注目率大大提高；同时，它把平凡的信息转化得更出众、更动人，给招贴带来美学意义上的升华，使观者得到富有哲理的启示，招贴因为同构图形的应用而具有了很强的艺术性和学术性，被誉为“平面设计界的皇冠”。随着现代社会新技术的发展，同构图形将会有更广阔的发展空间和更丰富的表现形式。

图形创意：不是专业，属于视觉传达的一种能力

CI设计：属于视觉传达的一项，就是设计企业的识别系统。

平面设计与印刷：平面设计是视觉传达里的一个大类，有些时候，平面设计就是视觉传达的代名词。印刷是传播设计的的技术手段。

公共艺术：没有这个学科，公共艺术指一切服务公共空间的的艺术。很多学科都有这个功能。

室内设计原理：室内设计里的一门基础课。

商业插画：理论上属于视觉传达。可以视为绘画的商业化。

版式设计：平面设计里的一种。针对书籍，报纸，杂志等版面

包装设计：平面设计里的一种。设计各种商品的包装

网页设计：属于计算机和视觉传达交叉的一门学科。

空间设计：室内设计里的一项能力。

景观设计：环境艺术设计中的一科。与室内设计并列。

计算机辅助设计：没有这个专业，这是所有艺术设计专业都需要的一种设计手段

装潢设计系的课程主要由四大部分组成：第一部分是入学第一年里的造型基础课，包括素描、色彩、图案以及构成课等；第二部分是二年级进入专业设计学习前的设计基础课，包括视觉表现、空间表现、色彩设计、传统及现代艺术课等；第三部分是三、四年级的专业设计课程，包括广告设计、插图设计、包装设计和书籍设计等，该部分课程基本上还是属于以实践为主、理论为辅的需要动手操作的类型；第四部分是以讲授为主的理论课程，包括视觉传达、平面设计概论、广告概论等。

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